Alessandra (Саша Дружба) (myaffetto) wrote in history_of_art,
Alessandra (Саша Дружба)
myaffetto
history_of_art

Category:

О художниках, концептуальности, поп-арте и не только…

Многие художники в угоду служению небольшому избранному кругу, бегут от окружающего мира, замыкаясь в какой-то определённой сфере и штампуя однажды изобретённый образ или метод исполнения всю оставшуюся творческую жизнь…

Это наиболее ярко выявилось у Ива Кляйна («Коллаж»).
Ему не показалось утомительным приклеить 426 тысяч губок на стену хорошо посещаемой гостиницы, он с удовольствием делал акварельные работы и затем выносил их в свой внутренний двор во время сильнейшего ливня для того, чтобы «добиться динамического взаимодействия между природой и рукотворными изображениями», с этой же целью он писал картины маслом в медленно движущейся повозке, а затем помещал полотна на крышу своего «Ситроена» и быстро ездил по кругу, чтобы «краски стали прозрачными». Пика своей карьеры он достиг в 1958 году, когда в галерее Айрис Клерт был выставлен его первый ненаписанный снег. Галерея была торжественно выкрашена в белый цвет; единственными объектами для рассмотрения были протсые белые рамы, висящие на стенах с небольшой биркой типа: «Не-Картина, 30 х 73 см., 80000 франков». Выставка была распродана. Сотни парижан и американцев абсолютно серьёзно оплачивали и несли пустые белые рамы к свои машинам и затем, вероятно, торжественно развешивали их в своих картинах. Было бы поучительно, если бы мистер Кляйн получил бы взамен «не-картин» «не-чеки».
Сразу вспомнилась книга Alessandro Baricco ‘Oceano-Mare’, где художник на протяжении всего романа писал картины моря солёной водой, зачёрпнутой из него. Довольно концептуально и в то же время эмоционально…
Andy Warhol, Roy Lichtenstein и Robert Rauschenberg относились к своим произведениям ещё более рационально. Их попытки свести нечто необычное к банальному и придать банальному статус необычного не знали границ. Пятьдесят раз повторяя одно и то же лицо Мэрилин Монро, они тем самым превращают голливудский секс-символ в одну из особей «стада». Человеческие эмоции низводятся до уровня комичного с целью защитить себя от жизненных проблем через банальное. Марсель Дюшан однажды сказал: «Если человек берёт пятьдесят банок с супом “Campbell” и изображает их на холсте, нас интересует не возникшее в результате этой акции изображение, а оригинальность мышления человека, додумавшегося изобразить пятьдесят банок супа “Campbell” на холсте».

(click 2 the picture 2 с another 1)


“I like money on the wall. Say you were going to buy $ 200,000 paintings. I think you should take that money, tie it up, and hang it on the wall. Then when someone visited yo, the first thing they would see is the money on the wall”.
The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and bach again)
dollars dollar
© Andy Warhol

Robert Rauschenberg,1992
© Robert Rauschenberg

i love liberty 1982 sms
© Roy Lichtenstein

Что может быть более логичным, чем возвеличивать ошибки и благоговеть перед случаем. Hans Arp, один из основателей дадаистского движения в Цюрихе во время Первой мировой войны, впервые заявил об этом в своей статье «Формы, расположенные в соответствии с законом случая».
Арп разорвал одну из своих работ, выполненных гуашью (не глядя), затем взобрался на верхнюю ступеньку стремянки и сбросил вниз разорванные куски. Он осторожно приклеил их там, где они упали. Несколькими десятилетиями позже другой швейцарец по имени Spoerry пригласил свою девушку на завтрак, затем приклеил к столу се блюда, а мятые бумажные салфетки, шкурки бекона и хлебные корки разбросал на столе; результат назвал «Завтрак с Мэри» и выставил его, то есть стол со всем содержимым, в музее. Было практически неизбежно, что после картин by Jackson Pollock сороковых и начала пятидесятых годов, с кляксами и брызгами, другие художники дружно признают это незапланированной случайностью.
Pollok working poster

Один художник из этой группы рисует, привязав кисти к предплечью, так как уверен, что «не может вызывать способность даже из левой руки». Другие художники, заставляющие кататься по своим полотнам обнажённых натурщиц или переезжающие свои полотна на мотоциклах, скутерах, велосипедах, роликах или шагающие по ним в снегоступпах, превращают «стремление к новизне» в обыкновенную игру.

Постепенно очень многие приходят к отрицанию дальнейшего накопления материальных благ. Это стремление вызвано в значительной степени пониманием того, что мы живём в постиндустриальном обществе, переполненном техническими новинками, безделушками и фабричными подделками. Именно поэтому и появляется «концептуальное искусство». В 1971 году один ведущий художник Западного побережья Соединённых Штатов создаёт произведение, состоящее из пятнадцати листов бумаги жёлтого цвета, где на каждой странице он описал во всех деталях размеры, цвета, фактуры и композиции около 400 картин, которые он мог бы написать. Дополнением к этому были описания условий создания этих полотен, если бы они вообще были созданы. После публичного прочтения этих пассажей он сжёг все листы и выставил лишь банку с золой…

Теперь представим себе ,что посетителей музея приглашают на формальное открытие выставки. Но им предлагают идти не в сам музей ,а на некую станцию метро и смотреть в зеркало автомата, торгующего жевательной резинкой; в то же время их друзьям предлагают провести время в туалете за чтением «тишины» Джона Кейджа; ещё одной группе рекомендуется снять номер в отеле ‘Americana’ и провести время за бритьём. Это подобие деятельности, которой, надо сказать, с удовольствием занимаются люди в разным местах в одно и то же время, и есть открытие выставки и сама выставка одновременно.

Как только окружающая среда стала «внутренней», появилась тенденция устраивать художественные акции, связанные с «обустройством» Земли. К ним можно отнести следующие: девятиметровый ров в пустыне Мойав, один лист, сорванный с каждого третьего дуба в Таллахасси во Флориде, или снег, лежащий на лугу в Колорадо, с которым ничего не делали…

Журналист George F. Will (Newsweek, 1981 august 2) привёл наиболее абсурдные примеры:

Любители искусств Нью-Йорка тронуты решением не возбуждать уголовного дела против молодого человека, который положил нечто, чт полиция назвала бомбой, на Бруклинский мост. Молодой человек, назвавший себя «художником окружающей среды», сказал, что ведро, наполненное петардами, является «кинетической скульптурой». Всё было бы хорошо, если бы «скульптура» не имела повреждённый фитиль…
в Британской галерее появилась новая работа – «комнатная температура», изображающая двух мёртвых мух и ведро с водой, в котором плавают четыре яблока и шесть сдутых шариков. Сотрудники галереи сказали, что работа «изумила их своей законченностью, исключительностью, бесспорной ясностью. Она обладает способностью дразнить, удивлять, задавать вопросы, переносить в другие измерения.
Американский фонд выделил 300 тысяч долларов на финансирование «вертикального километра». Медный стержень длиной в один километр был вкопан в яму глубиной один километр. Этот же художник сотворил «освещённые поля» – фрагмент Нью-Мехико, превращённый в подушечку для булавок при помощи металлических столбов…
Роберт Хьюгс, художественный критик журнала Time и автор статьи «шок от нового», говорит, что каждые пять лет художественные школы Америки выпускают студентов больше, чем было людей в конце XV века во Флоренции, и что, вероятно, художественных галерей в Нью-Йорке больше, чем булочных.
(…) художественному колледжу был выдан кредит на фотографирование 650 гаражей Сан-Диего, а также на то, чтобы провести неделю в ящике раздевалки (произведение, или действие, искусства называлось «продолжительность-ограничение тела-куска»).
Расширенное понимание искусства как делания чего-либо или изготовления чего-либо является триумфом демократии: каждый может быть – и на самом деле не может не быть – художником. Хьюгс отмечает, что Ричард Татл «был выбран для того, чтобы предоставлять Америку на Венецианской биеннале 1976 года – палочкой чуть подлиннее карандаша и толщиной два сантиметра, неокрашенной и помещённой в одиноком величии на стену павильона Соединённых Штатов». Ваши доллары были вложены в эту выставку чисто демократического искусства. Бессодержательное искусство Татла вряд ли можно упрекать в элитарности.


В ХХ веке авангард попытался изменить банальные стандарты общепризнанного вкуса, установленнные буржуазией. Дадаистское движение в начале 20х годов пыталось шокировать средний класс нападками на само искусство. Но сегодня для художника границы потеряны. Как следует из официального каталога Калифорнийского института искусств, «художник – это тот, кто создаёт искусство», и «искусство – это всё, что создаёт художник». Другими словами, всё утрачено. Если каждый является художником и если всё является искусством, в таком случае авангарда может больше и не быть…

"The POP Artists did images that anybody walking down Broadway could recognize in a split second – comics, picnic tables, men’s trousers, celebrities, shower curtains, refrigirators, Coke bottles – all the great modern things that the Abstract Expressionists tried so hard not to noticeat all”.
POPism, The Warhol ‘60s

по материалам интернета, журналов и книг (+ V. Papanek 'design for a real world' 1984)
xposted 2 my journal
Tags: поп-арт
Subscribe

  • Post a new comment

    Error

    default userpic

    Your reply will be screened

    When you submit the form an invisible reCAPTCHA check will be performed.
    You must follow the Privacy Policy and Google Terms of use.
  • 7 comments